“Donde nunca suceda lo mismo”

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Nicolás Goldschmidt (actor, intérprete) nos habla de su experiencia en la actuación, del aporte de sus colegas, de sus inquietudes para con el teatro en sí mismo y del cine en el que encuentra una visión poética.

Por Julián Guidi

A la hora de estudiar texto y componer, ¿cómo abordás la conexión texto-cuerpo? Si bien cada experiencia es distinta, ¿hay constantes que te permiten entrar en un estado?

Sí, esas constantes son físicas, no psicológicas. Y están relacionadas a lo técnico. El estado, para mí, comienza en la preparación técnica. Si bien, si el texto es contundente siempre hay algunas palabras o frases que activan más la emoción. Me pasa siempre que paso la letra de Ametralladora de Laura Sbdar, que en cierto punto no puedo evitar emocionarme, pero es porque el texto hace solo su trabajo. Hoy en día, cuando trabajo dando clases, trato de unir la salida del texto con una conciencia completamente física, imaginando concretamente que es mi cuerpo quien empuja las palabras y que si no fuera así no saldrían jamás.

En tu interpretación en Bodas de sangre, la escena misma te requería un estado álgido y emocional, ¿hubo pautas de dirección o composición en conjunto con tus compañeros para sostener ese estado?

Hay un estado previo, que yo imaginé y que ponia en funcionamiento en los ensayos. Eso es lo que llamo “el suelo”, ese lugar del cual no se puede bajar y que mínimamente debe estar para sostenerme en la escena. Ahora bien, sin Miranda de la Serna y Laura Nevole, esos estados no hubieran crecido o se hubieran desarrollado de ese modo. Y es en conjunto con ellas que los manteníamos vivos o en movimiento. Para eso los condimentos son variados. El humor, la picardía y la irreverencia en general son aspectos que convoco, no descreo de ellos ni solemnizo el vínculo con la escena o con lo teatral. Pero sí creo necesario ser consciente de en qué puntos la obra o el texto me hablan, o me están permitiendo decir algo “sobre mí”, porqué es en ese punto intermedio entre realidad y ficción donde se organiza la emoción. Pocas cosas me duelen tanto como no tener ese estado emocional cuando abordo la escena, pero hay veces que toca aparentar.

¿Qué tipo de experimentaciones escénicas son las que más te atraen?

Me atraen mucho las errantes. La idea del error no es algo que solo piense para mis clases sino más bien para cualquier hecho. Últimamente, le desconfío un poco a esa idea más tradicional de montar una obra y hacerla una o dos veces por semana (en el caso del independiente). Entiendo que a nivel organizativo y económico es lo que tiene sentido, pero en mi cabeza da vueltas la idea de armar eventos donde nunca suceda lo mismo y donde se reformule la idea de teatralidad constantemente. Cuando digo teatro digo danza, música, pintura. Yo he estado dos años ensayando obras, hoy no se si haría eso o más bien ensayaría con público constantemente. El teatro hoy tiene competencias muy concretas y son aquellos dispositivos que no paran de dar imágenes, donde el tiempo se acorta cada vez más. Elegir como dar esa batalla, para subsistir, para que las nuevas generaciones sigan pensando en teatro, es la cuestión mas importante.

¿Alguna experiencia te ha resultado un desafío de composición?

Por supuesto que interpretar a Maradona fue la más desafiante en ese sentido porque no solo era un personaje público, sino además conocido y amado por el mundo entero, entonces de por sí la exigencia era altisima. Pero incluso ahí pensé la composición desde los puntos en común, y entonces notaba cuántos gestos compartimos por el inconsciente colectivo. Me daba cuenta que algunas reacciones ya estaban en mí, y habia que potenciarlas. Luego, por suerte, existió toda una zona mas ligada a la invención, de “inventar” mi Maradona. También, en Ametralladora, la idea de interpretar a una niña creo que fue la más imposible que se me presentó hasta ahora. Pero esa misma imposibilidad fue la que me atrajo a querer intentarlo.

¿Cuál es el cine que más te gusta?

Me gusta el cine pequeño, íntimo o con una mirada cercana a los personajes, como el que aquí en Argentina hace Anahí Berneri, por decir un ejemplo. También aquél que sobrepasa las convenciones del realismo que aquí quizás es mas dificil de ver, La idea de un lago de Milagros Mumenthaler me sorprendió por eso mismo. Algo que, por ejemplo, Roy Andersson maneja tan bien: sus personajes son humanos y al mismo tiempo criaturas del submundo. Encuentro un clímax estético, poético y narrativo en algunas peliculas de Leos Carax, su estilo caló muy hondo en mi modo de ver el mundo y la actuación. No encontré aún pelicula mas bella que Les amants du Pont Neuf.

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